SE, COMO AFIRMAM OS TEÓRICOS, o cinema é a “arte do tempo” ou a “arte da luz”, Martin Scorsese parece querer ilustrar estas premissas com seu A Invenção de Hugo Cabret, indicado a 11 categorias do Oscar neste ano (Filme, Diretor, Roteiro Adaptado, Montagem, Fotografia, Direção de Arte, Figurino, Trilha Sonora, Efeitos Visuais, Mixagem e Edição de Som). Antes de tudo, não se trata de uma produção endereçada ao público infanto-juvenil ou apenas aos cinéfilos de plantão, mas a qualquer pessoa que goste minimamente do ritual de ir ao cinema – e o filme deve ser visto em tela grande, uma vez que a projeção é em 3D, numa espetacular utilização desta tecnologia.

Mais do que narrar as aventuras do solitário e esperto órfão Hugo (Asa Butterfield) que vive escondido em uma estação de trem de Paris, buscando desvendar a engrenagem de um misterioso protótipo encontrado por seu falecido pai (Jude Law), o filme – uma adaptação do romance infanto-juvenil de Brian Selznick – faz uma declaração de amor ao cinema e a um de seus mais geniais pioneiros: o mágico francês, “pai dos efeitos especiais”, Georges Méliès (1861-1938).

Como pode ter sido relegado ao esquecimento (ainda em vida) um dos maiores inventores do cinema, autor de mais de 500 filmes – infelizmente, muitos perdidos na inexorável marcha do tempo? “O tempo não tem sido gentil com os filmes” – diz o personagem do pesquisador (interpretado por Michael Stuhlbarg) a um Hugo que, assim como muitos espectadores, desconhece aquele cineasta que já simulava 3D em sua época, com várias camadas de belos cenários e técnicas inventivas; que tirava de sua mente criativa as ideias mais lúdicas e inusitadas a fim de encantar o público, percebendo o potencial do cinema para tornar possível o impossível. Ben Kingsley compõe com magnífica fidelidade um Méliès comovente, desiludido e digno, apresentando-o às novas gerações, numa exaltação à magia do cinema como arte do espetáculo que ele ajudou a criar.

“O que é incrível sobre Méliès é que ele explorou e inventou basicamente boa parte do que fazemos hoje com computadores, tela verde e tecnologia digital, mas ele conseguiu apenas com sua câmera e estúdio”, afirma Scorsese, no folder de divulgação do filme. “E quando olho para trás e vejo os seus filmes originais, me sinto emocionado e inspirado, porque eles ainda carregam a vibração da descoberta mais de 100 anos depois de terem sido feitos. E também porque eles estão entre as primeiras e mais poderosas expressões de um formato de arte que eu amo, e ao qual me dediquei pela maior parte da minha vida”.

Cinéfilo desde a infância solitária e asmática, grande conhecedor da História do Cinema e fervoroso defensor da preservação e restauração de filmes, Scorsese conduz o espectador pelo mundo e a época em que o cinema se estabelecia como principal forma de entretenimento do século XX, desde seu primeiro plano: um envolvente mergulho da câmera pela cidade luz até a estação de trem e as engrenagens de um imenso relógio em que vive o protagonista. A chegada da câmera à estação nos remete a um dos primeiro filmes exibidos publicamente pelos irmãos Lumière, no Grand Café do Boulevard des Capucines, a 28 de dezembro de 1895, A Chegada do Trem à Estação de La Ciotat – episódio recriado dentro da acessível narrativa dos “filmes dentro do filme” que Scorsese habilmente articula.

Passado no início da década de 1930, A Invenção de Hugo Cabret ainda presta homenagem a vários momentos marcantes do período mudo e não só nas reconstruções de cenas dos fantásticos filmes de Méliès, com uma coloração que referencia suas películas pintadas à mão: Viagem à Lua (1902) e sua iconográfica lua atingida por uma bala de canhão, além de A Sereia (1904), em que Scorsese, com licença poética, possibilita um close-up inédito em Madame Méliès (interpretada por Helen McCrory). Além disso, insere trechos de O Garoto (1921, Chaplin), A Caixa de Pandora (1929, Pabst), O Gabinete do Dr. Caligari (1919, Wiene), A General (1926, Bruckman e Keaton), O Homem-Mosca (1923, Newmeyer e Taylor). Aliás, este último numa recriação dentro da própria narrativa, reforçando a ideia de que a vida (no caso, a de Hugo) imita a arte.

Através de seu filme e das obras citadas, Scorsese reporta à noção do cinema como grande invento do mundo moderno, com a exaltação da velocidade (lembrando que fotografias passam rapidamente por nossos olhos nos dando a ilusão de movimento): engrenagens, máquinas, trens e relógios (elementos que constituem a essência da visualidade do filme); além do fascínio e da “fantasmagoria” das primeiras imagens projetadas como misteriosas sombras de luz numa tela branca e numa sala escura. É interessante que uma das primeiras palavras pronunciadas por Méliès/Kingsley no filme seja “ghosts” (fantasmas), ao folhear o caderno de notas e desenhos de Hugo, que, por sua vez, remetem a um flip-book – um dos brinquedos óticos do século XIX que evidencia a própria origem das imagens em movimento.

Com interpretações cativantes do talentoso elenco, além do rigoroso trabalho da equipe com antigos colaboradores, Scorsese – novamente aparecendo como fotógrafo numa cena (como o fizera em A Época da Inocência, de 1993) – contagia o público com o prazer genuíno que sempre revela em seu ofício de cineasta. O filme ainda apresenta uma visualidade impressionante, desde a reconstituição de época primorosa, do veterano designer de produção Dante Ferretti, até os efeitos especiais que deixariam Méliès orgulhoso de seu legado.

Aliás, deve-se ressaltar a sábia e pertinente utilização da filmagem em 3D que, com raras exceções, vem sendo mal aproveitada nas produções atuais, vezes afastando o espectador do que acontece na tela – com a impressão de objetos sendo atirados em sua direção. No início de A Invenção de Hugo Cabret, flocos de neve parecem envolver toda a sala de cinema, para, a partir daí, nos conduzir ao interior do filme, através da ampliação da profundidade de campo, fazendo-nos mergulhar no mundo fascinante de Hugo Cabret e no universo de sonho da sétima arte. Na verdade, como disse Scorsese em entrevista: “Todos nós vemos em três dimensões”. E na primeira incursão por esta tecnologia de um dos mais relevantes diretores do cinema contemporâneo, através dessa imersão, potencializa-se a experiência emocional e estética do espectador que assiste ao filme.

Uma aula de cinema para crianças de todas as idades que amam a fantasmagoria que nos transporta por algumas horas para um mundo utópico, lúdico e encantador. Um refúgio que nos permite continuar sãos e otimistas neste mundo real tão assustador e desencantado…

Título original: Hugo
Direção: Martin Scorsese
Roteiro: John Logan
Elenco:
Nota:

BELAS HISTÓRIAS DE AMOR NÃO SURGEM FACILMENTE EM QUALQUER PRODUÇÃO HOLLYWOODIANA. Geralmente, os romances costumam ser babacas, extamente igual acontece na vida real. Quando um longa-metragem consegue capturar a essência do amor, na grande parte das vezes, trata-se de representar a frustração e o amor como uma constante fonte de alegria e decepção. Exemplo mais recente é o de Namorados Para Sempre. Porém, vez ou outra surgem produções capazes de celebrar o sentimento sem cair no ridículo. Direito de Amar, produção que (quase) rendeu o Oscar de Melhor Ator para Colin Firth, e Toda Forma de Amor são alguns desses filmes e curiosamente, ambos tem temática gay.

Mike Mills escreveu o roteiro de Toda Forma de Amor como uma espécie de autobiografia de sua própria vida. Assim como acontece no filme, que ele também assina a direção, o seu pai se assumiu gay depois de uma idade avançada e pouco depois faleceu. Mills disse que essa foi a maneira que encontrou para continuar o diálogo com o seu pai, que sempre falava sobre as suas experiências de vida e da busca constante pela felicidade e o amor. O título original Beginners remete exatamente a essa relação, em que dois homens passam a lidar com a vida depois de tomarem grandes decisões.

Toda Forma de Amor (que nem na música do Lulu Santos) narra o recomeço da vida de dois homens: um senhor de 75 anos de idade, que após a morte da esposa, se assume gay e passa a viver tudo que negou durante toda a sua vida. Hal encontra a sua verdadeira felicidade e se encontra como pessoa, mesmo sabendo que estava com câncer e que logo morreria; e de seu filho adulto, Oliver, que começa a refletir sobre a sua própria vida e em tudo que aprendeu com o pai e suas descobertas.

Descrevendo a sinopse dessa maneira, o leitor mais desavisado pode criar a falsa impressão de que Toda Forma de Amor é uma comédia dramática gay, mas não é. Assim como acontece em Direito de Amar, a sexualidade do personagem pouco importa para tudo que o filme tem a oferecer para o público. Mais do que a relação de cumplicidade entre pai e filho (interessante notar que Oliver não faz julgamentos quanto a decisão do pai em sair de dentro do armário) e do aprendizado que essa relação deixa para Oliver, o filme é justamente sobre não ter medo de recomeçar a sua própria vida do zero e correr atrás do que realmente nos torna realizados.

Christopher Plummer justifica toda a badalação em torno de sua performance como Hal Fields. Durante boa parte do drama, a impressão que fica é que os comentários foram supervalorizados, já que, por melhor e mais competente que o ator seja, não havia nenhum motivo de alarde até chegar na etapa final e Hal contar sobre sua relação com a falecida esposa. Toda a cena, dos closes no rosto de Plummer até as coisas que são ditas, é de partir o coração. Ewan McGregor não faz feio e consegue mostrar seu talento ao lado de um ator tão eficiente quanto Plummer. Ele faz bem o papel de homem sofrido e que precisa se reinventar após a morte do pai. Acabei me lembrando de George Clooney e a sua participação apagada em Os Descendentes, onde ele interpreta um personagem que também passa por uma jornada de autoconhecimento.

Mesmo que o foco do filme esteja na relação de Plummer-McGregor, a atriz Mélanie Laurent (Bastardos Inglórios) rouba a cena como o interesse romântico de Oliver. Complicada, indecisa e altamente sedutora, Anna desenvolve um envolvente romance com o personagem de McGregor. A química entre os dois atores é deliciosa e oferece um ponto de vista mais otimista e jovial quanto a forma de melhor aproveitar uma relação amorosa.

Um belo filme, acompanhado de uma trilha sonora recheada de jazz antigo e com atuações realmente inspiradas. Difícil não gostar de Toda Forma de Amor ou querer ficar se preocupando com eventuais “problemas” técnicos. Mills é competente ao contar a sua história, especialmente por usar uma narrativa não-cronológica para apresentar seus personagens e acontecimentos, e como todo bom filme que se preze, o importante é emocionar o espectador. Imperdível.

Título original: The Beginners
Direção: Mike Mills
Roteiro: Mike Mills
Elenco: Ewan McGregor, Christopher Plummer, Mélanie Laurent

Nota:

JULGAR UM FILME APENAS POR CONTA DA PRESENÇA DE UMA BANDA NA TRILHA SONORA É BURRICE? Provavelmente sim. Provavelmente não. A questão mais importante é ressaltar o impacto que a canção tem na cena em que é utilizada. Considerando por esse lado, só de ter “About Today”, do The National, o longa-metragem Guerreiro já merecia uma excelente cotação etílica no ranking do Cinema de Buteco. Acontece que ele também tem performances incríveis, cenas de lutas de tirar o fôlego e um belo roteiro do cineasta Gavin O`Connor.

O filme conta a história de dois irmãos que entram num torneio de luta-livre para conseguir pagar suas dívidas ou promessas. O problema é que eles não conversam há anos, após serem separados devido ao turbulento relacionamento de seus pais. O filho mais novo (Hardy) viajou com a mãe, deixando o mais velho (Edgerton) lidando com o pai alcoólatra (Nolte). Quando eles se encontram, cara a cara no ringue, precisam esquecer que são irmãos e lutar para cumprir os seus objetivos.

A primeira coisa que deve ser elogiada em Guerreiro é a atuação de Nick Nolte. O veterano ator está interpretando um daqueles personagens que a Academia adora: um homem decadente e que busca o perdão por todos os erros e abusos cometidos no passado. O personagem lembra um pouco aquele interpretado por James Coburn no tenso Temporada de Caça, de 1997. Naquela ocasião, Nolte ficou apenas na indicação para o grande prêmio de melhor ator, enquanto Coburn recebeu o Oscar de Ator Coadjuvante por sua atuação como um pai abusivo e que ainda lidava com os reflexos da bebida em sua conturbada relação com os filhos. Paddy Conlon é frágil e tenta em vão recuperar o carinho e atenção dos filhos.

Explorar relacionamentos entre pais e filhos é um grande filão em Hollywood. Algumas vezes, como disse a Fernanda Minucci no seu texto, acaba sendo extremamente clichê. Guerreiro tenta escapar um pouco desse arriscado tema ao misturar a luta-livre na história e oferecer dois personagens principais muito bem trabalhados e que tornam inevitável que o espectador se identifique e acabe torcendo pelo sucesso de ambos. Connor é hábil ao conduzir o drama dos dois irmãos e adiar o encontro por boa parte da produção, algo semelhante ao que David Fincher fez em Millennium – Os Homens Que Não Amavam as Mulheres. O choque de titãs é inevitável e deixa o público com o coração na mão, incapaz de decidir qual dos dois deverá sagrar-se campeão do torneio.

Guerreiro tem as melhores cenas de luta dos últimos anos. Hardy destrói todos seus adversários com uma fúria de deixar até mesmo o Anderson Silva apreensivo. Logo na primeira luta, durante o treinamento de um outro lutador, Tommy apresenta toda a sua selvageria e desfere chutes e socos sem dó. Engraçado observar como a atitude do personagem nos ringues é exatamente o contrário do que ele é normalmente. Calado, marrento, mas com uma bagagem psicológica completamente abalada por conta de sua experiência na Guerra e também por conta dos familiares, Tommy libera toda a sua raiva nos oponentes. A atuação de Tom Hardy é fundamental para transformar Guerreiro em um filme especial. Ele não precisa falar nada para transmitir para o público os seus demônios e bem, essas coisas deveriam ser valorizadas numa atuação.

Com tantos comentários positivos, o longa-metragem acaba escorrendo na sua conclusão. O sentimentalismo fala mais alto e a aguardada luta final não passa de uma grande lavação de roupa-suja, quase como nos programas da Márcia Goldsmith. Claro que todo mundo que acompanha o UFC sabe que é a técnica e a estratégia que definem quem será o vencedor de uma luta, mas Connor ignorou esses detalhes para focar na tentativa de reconciliação dos dois irmãos. Ambos em frangalhos, com os corpos destruídos e aquela incômoda sensação de borboletas no estômago de quando estamos prestes a recuperar algo que ficou perdido por muito tempo. Não chega a estragar todas as qualidades apresentadas pelo elenco e pelo diretor/roteirista, mas diminuiu demais o ritmo e adrenalina do filme.

Em tempos de UFC se tornando paixão nacional e ficando cada vez mais forte no mundo todo, é uma grande surpresa pensar que mesmo assim, a produção foi lançada direto em DVD no Brasil.  Uma pena. Mas depois que O Cavaleiro das Trevas Ressurge estrear nos cinemas, o trabalho de Tom Hardy ganhará uma atenção especial e muitos filmes serão descobertos pelos cinéfilos. Guerreiro com certeza terá o seu lugar de destaque.

Nota:

HÁ ALGO NA PARIS FILMADA POR WOODY ALLEN EM MEIA NOITE EM PARIS QUE TORNA POSSÍVEL UMA SENSAÇÃO NOSTÁLGICA MESMO EM RELAÇÃO ÀQUILO QUE NÃO SE VIVEU. De certa forma Gil, interpretado por Owen Wilson (que consegue captar a essência dos personagens típicos do diretor na medida certa) quando volta ao passado sempre que o relógio marca meia noite, vai de encontro com aquilo que ele gostaria de ser, sem sucesso: ele está prestes a casar com Inez (Raquel McAdams) linda e insuportavelmente rasa, e busca inspiração para escrever seu romance, embora seja reconhecido por escrever roteiros de filmes nada relevantes, o que o deixa insatisfeito.

Esta ida à Paris para a qual somos convidados com uma belíssima abertura filmada com cores à beira da saturação (a direção de fotografia é do mesmo responsável por Violência Gratuita e Um Beijo Roubado), parece tentar – e conseguir, buscar a Paris que inspira e encanta, e que faz nascer uma necessidade de viver. É isso que acontecerá com Gil. Sua volta ao passado (coisa que nunca será explicada pelo filme – ponto para o roteiro de Allen) o colocará em contato com seus ídolos, em encontros que passam a ser comuns em sua rotina parisiense. No começo há um choque, afinal é uma situação surreal. Com o tempo a convivência com aquelas figuras (entre eles Scott F Fitzgerald, Ernest Hemingway, Cole Porter, Luis Bruñuel, Picasso) será inspiradora e de certa forma fará com que tome coragem (um dos atributos que descobre ser imprescindível para um bom escritor) para escrever seu livro.

Não deixa de ser interessante (e quase uma homenagem de Allen) a forma como estes personagens icônicos da história das artes aparecem e tomam identidades bem marcadas, trazendo por vezes momentos divertidos. Buñuel não consegue entender o roteiro sugerido por Gil, numa alusão à Anjo Exterminador por exemplo.

Incluindo uma sequência final de acontecimentos que inclui um amor que se torna impossível justamente por esta insatisfação que move o protagonista do filme, Allen recorre ao seu costumeiro ceticismo: não existe a possibilidade real de se viver em outra época sem que esta se torne também uma prisão onde a criatividade se esgotará. O verdadeiro (e palpável) amor pode estar mais próximo e ser mais possível que se imagina.

É um filme divertido, com fortes referências aos filmes “ode” feitos em homenagem à Nova York pelos quais também nos apaixonávamos (Manhattan talvez seja o maior exemplo deles). Mas nenhuma cidade se compara à energia criativa e criadora que circula pelas ruas de Paris, e que parecem ter inspirado toda uma geração de artistas. Pelo menos é o que o olhar de Woody Allen quer nos mostrar.

Título original: Midnight in Paris

 Direção: Woody Allen

 Produção: Letty Aronson, Raphaël Benoliel, Jaume Roures, Stephen Tenenbaum

Roteiro: Woody Allen

Elenco: Owen Wilson, Marion Cotillard, Rachel McAdams, Mimi Kennedy, Michael Sheen, Kurt Fuller, Kathy Bates, Corey Stoll, Léa Seydoux, Adrien Brody, Carla Bruni, Alison Pill, Tom Hiddleston,Gad Elmaleh, Nina Arianda, Yves Heck, Adrien de Van, Marcial Di Fonzo Bo, Daniel Lundh, Sonia Rolland, Emmanuelle Uzan, Tom Cordier, Serge Bagdassarian, David Lowe, Yves-Antoine Spoto,Vincent Menjou Cortes, Olivier Rabourdin, François Rostain,Marianne Basler, Michel Vuillermoz, Laurent Claret, Guillaume Gouix

Lançamento: 2011

Nota:

O divórcio seria a única forma de Simin viajar sozinha (a religião islâmica não permitiria que uma mulher casada o fizesse) já que Nader não pode acompanha-la – seu pai tem mal de Alzheimer e não pode ser abandonado. Vale dizer que até então a separação é apenas e nada mais que uma alternativa para que a mulher possa viajar e levar do Irã sua filha Termeh (Sabrina Farhadi).  Com a ausência da mulher em casa, Nader contrata Razieh (Sareh Raiat) para cuidar de seu pai. Porém um incidente (grave) fará surgir na vida destas pessoas um confronto em busca da razão ou de uma solução minimamente razoável para os fatos. Mas como determinar isto?

É aqui que a mão do diretor Asghar Farhidi mostra seu poder, no roteiro e  na condução do filme. A partir de um episódio (a tal separação) os personagens são jogados num turbilhão de acontecimentos, de uma forma ou de outra determinados pela passionalidade com que reagem às situações. Problematiza-se o dado da fé islâmica quando é colocada como um paradigma que está acima de qualquer vontade pessoal: por ser rigorosamente respeitada, ou até mesmo quando é driblada, a fé religiosa neste caso se mostra como um fator determinante para a ação daqueles personagens, que se vêem em dilemas que os colocam contra aquilo em que acreditam mas a favor daquilo que julgam precisar fazer. Razieh esconde do marido que está trabalhando na casa de um homem, o que seria impensável em sua religião, embora necessário para sua sobrevivência; honra e comprometimento com o outro, dados importantes do islamismo são problematizados quando se colocam acima dos indivíduos e de suas necessidades: geram-se então conflitos.

Os problemas são colocados pelo roteiro, e a direção trata de tornar suas resoluções e a visão do espectador sobre eles mais complicada, pois não há como tomar partido aqui ou ali: estamos de certa forma comprometidos e ligados a todos os personagens, mesmo que eles sejam antagônicos. Há humanidade em cada um deles embora, em certo sentido há sempre algo que não conhecemos sobre suas motivações, ou que irá se mostrar naturalmente ao longo da história. Sentimos junto com aqueles personagens, há uma identificação imediata (grande mérito se pensarmos na diferença das culturas). A câmera na mão, sempre observando de perto, talvez seja a responsável por esta sensação de que estamos ali, presentes. Como defender um ponto de vista se sentimos a dor de ambos os lados?

Há que se dar o devido mérito pelo brilhante elenco, com um destaque para Peyman Moadi por um Nadir tão cheio de facetas (pai dedicado e amoroso, porém capaz de  jogar com os sentimentos da filha a seu favor), Sareh Raiat e sua Razieh que consegue transmitir certa reserva para falar suas verdades, justamente porquê tem algo a esconder, e Sabrina Farhadi: uma das únicas vítimas de todos estes acontecimentos, consegue transmitir o dilema de Termeh, talvez a mais lúcida de todos.

É por isto que A Separação se revela um filme surpreendente. Somos juízes de toda aquela história, os únicos que sabem da totalidade dos fatos. Mas, por outro lado, não é possível julgar quando há parcialidade. Se Nadir mente para a filha, não é por uma questão de caráter, mas de necessidade. Algo que se aplica a todos os personagens deste filme: retidão de caráter e comprometimento religioso não determinam uma ação justa ou ética. É um filme que problematiza valores justamente porque os relativiza, sem tornar a discussão vazia. E no final do filme com quem está a razão? Não há como saber, mas de certa forma, como a última cena nos mostra através de uma esperta composição, a única certeza é de que a ligação que Nadir e Simin de alguma forma possuíam no começo do filme, está para sempre transformada.

Título original: Jodaeiye Nader az Simin

Direção: Asghar Farhadi

Produção: Asghar Farhadi

Roteiro: Asghar Farhadi

Elenco: Leila Hatami, Peyman Moadi, Shahab Hosseini, Sareh Bayat, Sarina Farhadi, Babak Karimi, Ali-Asghar Shahbazi, Shirin Yazdanbakhsh, Kimia Hosseini, Merila Zarei

Lançamento: 2011

Nota:  

Uma Vida Melhor conta a história de um jardineiro mexicano que trabalha todos os dias e se esforça para manter o filho afastado das gangues e lhe oferecer a vida que ele nunca teve chance de ter. Mas Carlos não imaginaria nunca que teria que lidar com todo o tipo de acasos completamente desfavoráveis, que acabam o colocando em uma situação difícil com os agentes da imigração.

Sem muita enrolação para dizer o que foi frustrante em Uma Vida Melhor: Weitz parece ter mania de se tornar óbvio e deixar sua história previsível. Por mais de uma vez, a câmera foca detalhes que deixam evidente para o público que algo poderá acontecer. Ao subestimar a inteligência do espectador, Weitz deixa a entender que ele mesmo não sabe fugir dessas armadilhas e que precisa amadurecer muito no trabalho para adquirir um grau mínimo de sofisticação.

O grande destaque da produção é a atuação arrebatadora de Bichir. O ator ficou mais conhecido por ter interpretado Fidel Castro em Che, de Steven Soderbergh, mas foi com a dramática história de Uma Vida Melhor que ele conseguiu ser reconhecido pela Academia e receber uma indicação ao Oscar de Melhor Ator. Bichir é intenso e transmite facilmente o sofrimento e sufoco do seu personagem para o público. Mesmo que Carlos Galindo não seja um dos melhores espécimes de homem para se admirar, não há como não se sentir envolvido pela entrega de seu intérprete, que acaba rendendo bons momentos para o filme e salvando a direção óbvia de Weitz.

No começo do longa-metragem, não disfarcei a minha preguiça inicial e um pré-conceito completamente negativo (e equivocado) do que é realmente a história. É sempre bom se surpreender e especialmente se deixar levar por uma narrativa tão sofrida em que o verdadeiro vilão é simplesmente a grande falta de sorte do personagem principal, que se esforça em tentar sair do fundo do poço, mas para cada salto que ele tenta dar para sair, parece que o chão se abre e ele afunda ainda mais. Por essa forma sutil de retratar que certas pessoas não tem o direito de serem felizes, Weitz e Uma Vida Melhor merecem muitos elogios.

Título original: A Better Life
Direção: Chris Weitz
Roteiro: Eric Eason
Elenco: Demián Bichir
Nota:

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