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O Cinema de Buteco vai te levar para conferir o filme Um Homem de Sorte, com direito a brinde e acompanhante.

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Por que você é uma pessoa sortuda

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As três respostas mais curtidas até as 23:59 de domingo dia 20/05 levarão pares de ingressos e brindes do filme.

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Os prêmios poderão ser retirados em Belo Horizonte a partir da segunda feira,  dia 21

Se Alex Vincent (dos dois filmes anteriores) já conseguia ser um pé no saco muito pior do que Jake Lloyd em Star Wars: Episódio I – A Ameaça Fantasma, de George Lucas, Justin Whalin demonstra todo o seu talento (só que ao contrário) e oferece uma experiência única para o fã de terror trash. Seria injusto dizer que apenas ele é o responsável pelo fiasco completo, mas quando escolhem uma versão mais chata de Walt (aquele mesmo de Lost) para bancar a “vítima” da vez e uma maria-homem mais macho que a Michelle Rodriguez para ser o interesse amoroso de Andy (Whalin), fica complicado.

A trama de Brinquedo Assassino 3 é pior que caipirinha sem açúcar ou cerveja quente. Me digam como é que um moleque pseudo-escoteiro me arruma um boneco “bonzinho” para ser o seu melhor amigo? Sério, Walt? Você é tão carente assim que precisa de um bonequinho desses e nem percebe que o Charles Lee Ray é um maníaco que quer roubar a sua alma? Aliás, vamos combinar que o nosso serial killer de borracha não é nada esperto e poderia facilmente ser acusado de pedofilia, como apontam os fatos dos três filmes. A constante vontade de possuir o corpo de uma criança é mais assustadora que os próprios assassinatos cometidos pelo boneco. De qualquer maneira, Chucky tenta possuir a alma de uma nova vítima e Andy precisa impedir que isso aconteça.

Existem boas piadas, como as frases de efeito de Chucky em diversos momentos, especialmente quando uma de suas vítimas sofre um ataque cardíaco e morre antes de ser cortada com um facão. Mesmo com todo o carisma do personagem, é missão impossível querer acreditar no mínimo de qualidade na produção, que conta com uma trilha sonora que poderia muito bem ter sido feita para a um filme de televisão, bem como os efeitos especiais de “última geração”, literalmente.

Para finalizar, Brinquedo Assassino 3 se encerra com uma daquelas sequências cafonas em que o vilão é arremessado para a morte e o público confere a cena por diversos ângulos e até mesmo em slow motion, como se fosse algo sofisticado e agradável de conferir. A verdade é que tais cenas, especialmente num filme de terror como este, são bregas e só reforçam os motivos de achar graça no filme (e no personagem, claro).

Nota:

NÃO TEM COMO FALAR DE AUDREY HEPBURN sem pensar em Bonequinha de Luxo, mas o filme Sabrina também é significativo dentro da carreira da atriz. Segundo filme da moça e posterior ao Oscar, recebido pela sua atuação em Roman Holiday, Audrey aparece com uma interpretação bastante crua, mas que já prevê o que ela se tornaria.

O enredo do filme é um tanto batido: A história da filha do motorista que se apaixona pelos filhos do patrão. David, o irmão mais novo, representado pelo ator William Holden, – com quem Audrey realmente teve um relacionamento – e Linus, obviamente o mais velho e feito pelo grande Humphrey Bogart. Com alguns clichês você pode estar se perguntando: Por que raios então eu deveria perder mais de uma hora assistindo Sabrina?

Sabrina marca o início da grande parceria de Audrey com o estilista francês Hubert de Givenchy que iria vesti-la em grande parte de seus filmes. Na verdade, essa era uma das exigências dela quando assinava algum contrato para produção de um longa. Ficaram marcados o ”decote Sabrina” utilizado no vestido que Audrey usa para ir a uma festa na casa dos Larrabee e o ”salto Sabrina”, um salto que tem menos do que 5 centímetros. Se hoje Audrey é reconhecida como um dos ícones de belezas hollywoodianas, Giventchy tem uma grande parcela de culpa.

Em Sabrina, Audrey ainda não era nem a sombra do que iria se tornar. Com uma aura frágil que iria acompanha-la , a atriz aparece como uma adolescente e posteriormente uma adulta que se esqueceu de crescer. Uma garota ingênua e que vê na paixão platônica por David a realização de sua felicidade. No decorrer da trama, a personagem Sabrina cresce fisicamente, mas interiormente ela continua sendo a mesma filha do motorista. Além de Audrey, não podemos ignorar Bogart. O ator já era consagrado por Casablanca e em Sabrina não decepciona. Fazendo o papel do irmão sério Linus, Bogart constrói a imagem do homem de negócios forte que não abre margem para às mulheres e para o amor.

Uma das coisas que sempre me chamou atenção em relação à Audrey é que ela ”foge” do modelo Hollywoodiano. Audrey não era loira, não tinha um corpo escultural igual à Marylin Monroe ou Grace Kelly, pelo contrário, Audrey era extremamente magra. A magreza não era causada por anorexia ou coisas do tipo; na adolescência, Audrey sofreu com o período da Segunda Guerra Mundial e por ter que viver com comida escassa, nunca mais conseguiu ganhar massa ou ter vontade de comer muito. A aparência esquálida, os grandes olhos e a elegância tornam Hepburn um nome forte dentro da história do cinema e em Sabrina temos isso representado muito bem.

Tirando que este texto todo foi escrito por uma pessoa que adora o trabalho da Audrey e que nunca escreveu sobre nenhum filme, vale a pela assistir Sabrina e alias, não só ele! Se você não se apaixonar por Audrey cantando “La vie en rose”, tens um coração duro meu caro amigo.

Nota:  

A PRIMEIRA COISA QUE PERCEBI QUANDO COMECEI A ASSISTIR AO FILME OS FILHOS DO MEDO foi o quanto Art Hindle era parecido com Peter Dinklage (Game of Thrones). Provavelmente acharia normal se de repente alguém pegasse uma espada e começasse a cortar as cabeças dos personagens. Foi realmente um choque muito grande que teria atrapalhado meu filme inteiro se não fosse a incrível capacidade do cineasta David Cronenberg em criar tramas envolventes do princípio ao fim.

Os Filhos do Medo, ou The Brood, no original, até pode dar a impressão de não ser um Cronenberg autêntico. Conforme a nossa talentosa Fernanda Minucci comentou em seu texto sobre Senhores do Crime, o canadense praticamente criou um gênero de filmes e aqui ficamos apenas esperando pelos detalhes subversivos e explícitos do cineasta. Apesar das perversões sexuais surgirem de maneira discreta, elas estão presentes especialmente na personagem feminina principal. Ela é uma delícia de mulher que guarda um segredo que só excitaria os fãs mais viscerais de Cronenberg.

A trama gira em torno de um homem (Hindle) que está com sua mulher internada numa estranha clínica psicológica que utiliza técnicas pouco convencionais para tentar lidar com os problemas de seus pacientes. Quando estranhos assassinatos começam a acontecer, ele precisa desvendar o que está acontecendo antes de ser tarde demais.

Com poucos recursos para investir em efeitos visuais e apostando na estranheza para agradar o público, Cronenberg cria um verdadeiro exército de estranhos anões que deixariam os moleques de A Colheita Maldita ou A Cidade dos Amaldiçoados parecendo garotos gentis e normais, daqueles que você deixaria o seu filho (ou sobrinho) brincar junto no playground do apartamento. Vale reparar na sequência final um pequeno vislumbre do que Stanley Kubrick viria a utilizar em O Iluminado, produção estrelada por Jack Nicholson e lançada alguns anos depois.

Para quem não conhece muito de Cronenberg e não sabe muito bem por onde começar, Os Filhos do Medo acaba sendo uma opção interessante. Não tanto quanto A Mosca, mas com certeza não irá causar falsas impressões para apresentar tudo que o autor incluiu em sua obra com o passar dos anos.

Nota:   

EM TEMPOS ONDE A MELHOR COISA QUE JOHNNY DEPP HAVIA FEITO NO CINEMA FOI A PARTICIPAÇÃO ESPECIAL EM ANJOS DA LEI, Diário de um Jornalista Bêbado, de Bruce Robinson, é uma bela novidade e deixa claro que o ator ou é um preguiçoso de marca maior ou simplesmente não consegue se desvencilhar da sina do pirata Jack Sparrow apenas por uma forte pressão dos estúdios, que sem dó costumam interferir nas decisões criativas do diretor na forma de conduzir seus atores. Depp interpreta o alter-ego do lendário jornalista Hunter S. Thompson, que aliás escreveu o romance que deu origem ao filme.

Depp já está familiarizado com o universo de Thompson, afinal no final dos anos 90 encarnou o escritor no alucinógeno Medo e Delírio em Las Vegas, de Terry Gillian. Em Diário de um Jornalista Bêbado, ele interpreta Kemp, um jornalista freelancer que abandona os EUA para trabalhar num jornal fuleiro em Porto Rico. O detalhe é que ele é um alcoólatra maluco que logo se meterá em apuros ao conhecer melhor a cultura local e o quanto ela poderá influenciar no seu trabalho. Para complicar a situação, ele logo se apaixona perdidamente pela mulher de um homem bem influente na região, interpretado por Aaron Eckhart.

Para quem já é iniciado no universo maluco de Thompson, não será nenhuma surpresa assistir ao uso mais inusitado (e engraçado) de “lança-chamas” no cinema e nem o quanto o começo de uma relação proibida pode ser deliciosa e provocante. Meio arrastado em alguns momentos, mas brilhante em outros, o grande chamariz da produção é mesmo a brilhante atuação de Depp, que é um farrapo humano com lapsos criativos capazes de atrair muitas atenções. Amber Heard (Fúria Sobre Rodas) é outra bela surpresa, deixando de ser apenas o interesse sexual dos personagens principais. Richard Jenkins faz uma divertida participação no filme e novamente, tem a chance de interpretar um personagem diferente do que o público geralmente tem a oportunidade de conferir.

Diário de um Jornalista Bêbado marca o começo do jornalismo gonzo e de todas as loucuras que Thompson viria a realizar em sua carreira. A produção até tenta colocar um pouco de pano na manga investindo no velho conflito entre ética jornalista e “interesses maiores”, mas são nas piadas ácidas (o roteiro oferece várias tiradas espirituosas) e nas constantes bebedeiras de Kemp que repousam o que há de melhor no longa-metragem.

Nota:   

SE HOUVESSE UMA VERSÃO CARNE E OSSO DE CHUCKY, alguém poderia indicar um ator melhor do que Nicolas Cage para interpretar o assassino de borracha mais amado do cinema? Os gritos de raiva e toda a loucura do vilão são exatamente iguais a todos os chiliques que o público já teve a chance de conferir de Cage. Talvez seja interessante enviar essa sugestão, caso a refilmagem de O Brinquedo Assassino saia do papel algum dia.

Tudo que havia de tosco, ruim e divertido no primeiro filme está de volta na continuação. Desista de qualquer efeito especial interessante (ou bom) para dar vida ao boneco e sua movimentação. Você também pode sentar no chão, cruzar as pernas e começar a cantar “Kumbaya” se estiver esperando conferir performances dignas de atores do cinema. O fedelho Alex Vincent nunca mais ganhou um papel de destaque, o que realça o seu talento fora ser a vítima favorita do pederasta conhecido como Chucky, o brinquedo assassino. Aliás, a performance de Vincent dá até dó. Na conclusão do filme, o personagem é golpeado e cai no chão. Estou com uma séria dúvida para descobrir se os olhos dele se movendo indicam que o personagem NÃO desmaiou e está com medo de abrir os olhos ou ele realmente deveria ter apagado, mas o ator foi incapaz de conseguir fingir ter adormecido. Vai saber.

O Brinquedo Assassino 2 retoma a história de Andy Barclay (Vincent), que após os eventos do primeiro filme vai morar em uma creche e acaba sendo adotado por uma família séria e com muito amor no coração. Parecia que tudo daria certo para o menino, até que os seus novos “pais” demonstram todo o seu carinho e atenção e deixam o moleque descobrir um dos bonecos “good guys” dentro do armário. Andy alopra, fica muito doido, fala que vai xingar no Twitter e então os pais resolvem dar um sumiço no brinquedo. Paralelamente, Chucky volta a vida e descobre aonde Andy está morando. Não demora muito para ele chegar até lá, trocar de lugar com o brinquedo e tentar roubar a alma de Andy.

Como disse, tudo que havia de ruim no primeiro filme está de volta, exceto o ator Chris Sarandon, o que deveria ser o suficiente para tornar a continuação superior, mas acaba que isso fica bem longe de acontecer. Se considerado como entretenimento descartável e fácil, as peripécias de Chucky rendem bons momentos para o espectador, especialmente para o tipo de público que sabe dar uma boa risada das coisas mais non-sense. Vale reparar na semelhança da sequência final com os eventos apresentados no final do primeiro O Exterminador do Futuro.

Nota:

Billy Wilder é da era de ouro do cinema. Fez filmes memoráveis como Crepúsculo dos Deuses, Pacto de Sangue, Quanto Mais Quente Melhor, Sabrina, O Pecado Mora Ao Lado e A Montanha dos Sete Abutres, dentre vários outros. É da era dos chefões de estúdio, quando os produtores mandavam mais que o diretor. É também da era em que o cinema não tinha beijos de língua nem casais dormindo na mesma cama, mas tinha cigarros fumados aos montes em áreas fechadas. A atuação é, naturalmente, exagerada se comparada aos dias de hoje.

 história se passa em Nova Iorque e conta a história de um alcoólatra sustentado pelo irmão e cuidado pela pobre namorada, que sofre para ajudá-lo já que ele é um típico viciado que não aceita ajuda de maneira alguma. Don Birnam (Ray Milland) arruma as malas para viajar com o irmão Wick (Phillip Terry) após mais um escândalo causado pela bebedeira, porém a contragosto. Consegue escapar do compromisso e ganha quatro dias com dez dólares (quantia relativamente alta para a época) no bolso – roubados do irmão. Chega a se humilhar por uma dose, rouba dinheiro mas devolve, vai parar num hospital toxicômano e muito mais… Tamanho é seu vício que em dado momento conversa com o garçom, revoltado, sobre como é absurdo bares não abrirem aos domingos e feriados! Sem contar outros momentos, como o que vai assistir a ópera La Traviata e tem alucinações com casacos com bebidas no bolso, ou como quando beija uma mulher que é apaixonada por ele só para conseguir dinheiro emprestado e beber mais. É uma odisseia deplorável. Don é ranzinza com todos, inclusive com a mulher que tanto ama. A bebida o transformou num monstro digno de pena.

Bom, pena não foi bem o que senti; eu chamaria de desprezo. A doença expressada no filme é fantástica – jogo de luzes e sombras e elementos gráficos que ilustram de forma intrigante o que é conviver com um alcoólatra e também ser um. Talvez seja esse o efeito que Wilder quisesse causar ou então fosse a única alternativa depois de tudo o que é mostrado. Não pude criar simpatia por um homem que destruía tudo ao redor, mesmo não sendo sua intenção consciente. Tampouco me simpatizei com o final, mas a história é inspirada num livro de Charles R. Jackson e quem sou eu para argumentar a adaptação já que não li a obra. Mas a revolta que senti me fez entender que é esse o espírito. É isso o que um viciado sente por si mesmo e além. Não é um filme feliz. Desde quando assistir um pobre sofredor se arrastar pelos cantos de Nova Iorque para alimentar um vício horrível nos enche de alegria? E aqui eu me deparei com o problema do contexto novamente, mas muito mais com o livro que com o filme propriamente dito. Achei a abordagem mais teatral, exagerada, adocicada demais. Culpa da época. Artisticamente falando, são milhares de anos luz e por mais que tentemos, jamais entederemos realmente o contexto porque somos seres subjetivos, sociais e contemporâneos. Chegamos perto mas não lá. O que nos resta é sentir a frustração – não menos interessante e ilustrativa -; reconhecer e admirar a coragem de um diretor em demonstrar uma história nada conservadora para a época – história essa que deixou a indústria de bebidas atarantada e que marcou para sempre (não de uma maneira muito boa) a carreira de Ray Milland, mesmo sendo sucesso de crítica e levando quatro Oscars para casa.

Título original: The Lost Weekend
Direção: Billy Wilder
Produção: Charles Brackett
Roteiro: Charles Brackett e Billy Wilder
Elenco: Ray Milland, Jane Wyman, Phillip Terry, Howard da Silva, Doris Dowling e Bim Nolan
Lançamento: 1945

Nota:  

CRONENBERG É UM GÊNERO CINEMATOGRÁFICO TANTO QUANTO É O NOME DE UM GRANDE DIRETOR. “Cronenberg” é a definição dos filmes dele próprio. Tal substantivo (que também é adjetivo) é sinônimo de vísceras, de ficção científica, do homem em seu estado de natureza, de alto nível de violência, de sexo, de mistério, de longas tomadas recheadas de cenas icônicas. Para mim, não, Cronenberg não significa apenas e só isso porque me iniciei em sua filmografia “de trás para frente”; ou seja, assisti primeiro seus filmes mais recentes. Me aficionei pela fase experimental e não característica do diretor, pela fase “Viggo Mortensen”, que foi quem me levou até ele. Esta fase recente se concentra mais no fator humano e deixa de lado as tramas surreais e tecnológicas da mente. Nada de ficção científica. Porém, esse período promete acabar – pelo menos em continuidade – este ano com Cosmópolis concorrendo à Palma de Ouro em Cannes.

Eu costumo analisar antropologicamente o porquê de algumas coisas serem como são. Por exemplo, tento entender como as pessoas tendem a preferir Marcas da Violência (também com Viggo Mortensen) a Senhores do Crime, mas não consigo. Isso quer dizer que sou dissociada? Vai saber. O fato é que gosto mais deste filme, a ponto de colocá-lo no topo da minha lista de filmes mafiosos. Sim, ele passa O Poderoso Chefão I e II e fica lado a lado até do chinês O Clã das Adagas Voadoras, de que gosto absurdamente.

Essa é a história de uma parteira inglesa descendente de russos que fica com o bebê de uma paciente adolescente após sua morte. A jovem deixa um diário e um cartão de visitas de um restaurante – que se tornam um prato cheio para um bom mistério e uma péssima ideia. Após se envolver com o braço direito da máfia, começa então a busca pela solução de um crime que leva à descoberta de vários outros; crimes que têm o poder de destruir um império de mentiras e revelar disfarces inesperados.

A nova fase de Cronenberg se concentra no fator humano, que é canalizado na exploração de boas atuações de um elenco sólido. Viggo Mortensen, Vincent Cassel, Naomi Watts e Armin Mueller-Stahl formam o âmago de todo o longa-metragem. Este é um daqueles filmes em que o elenco coadjuvante é tão interessante e importante quanto os protagonistas. Meus preferidos são os personagens de Mortensen e Mueller-Stahl: dois extremos de uma longa linha. Viggo Mortensen é ator estudioso, fã de pesquisas e laboratórios. Gosta de se preparar com afinco e por isso faz no máximo dois filmes por ano. Um vez vi um diretor de arte dizer que “cultura é feita de detalhes”. Uma pessoa também é feita de detalhes, também é feita de cultura, de passado. A dedicação de Mortensen é imprescindível para que acreditemos que este personagem é alguém, mesmo que nunca se revele por completo quem realmente é. E Armin Mueller-Stahl é um veterano daqueles que nem precisa falar. Dono de olhos azuis perfuradores e de uma voz rouca imponente, poucas palavras e um olhar bastam para dizer tudo e arrepiar até o último fio de cabelo.

A cultura russa é tão importante e essencial neste filme que em dado momento você se pergunta se a história se passa mesmo em Londres ou em alguma metrópole russa. Mesmo assim, os elementos formam um conjunto que dá um senso de oriente: a fotografia fria e melancólica, a música folclórica, a religiosidade, a decoração, a comida, o sotaque, os maneirismos, a famosa vodca… O pôr-do-Sol só pode ser de Moscou! Aquele prédio não fica em São Petersburgo?

Enfim, as características fundamentais de um “Cronenberg” estão presentes: brutalidade sanguinária, sexo, crime, mistério, tomadas lendárias. O único problema, para mim, é o final. Ao mesmo tempo em que ele fecha esse capítulo, dá margem para um novo e isso nos deixa loucos por mais. Cronenberg e Mortensen já conversaram sobre uma possível sequência que até hoje não aconteceu. Roguemos todos para que tais conversas virem prática. E que dessa vez a coisa seja na Rússia… para a felicidade ser completa.

Título original: Eastern Promises
Direção: David Cronenberg
Produção: Robert Lantos, Paul Webster e Tracey Seaward
Roteiro: Steve Knights
Elenco: Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel, Armin Mueller-Stahl, Sinéad Cusack e Jerzy Skolimowski
Lançamento: 2007

Nota:  

A SÉRIE DE SUCESSO DOS ANOS 80 AGORA VIRA FILME E PROMETE GRANDE BILHETERIA NOS CINEMAS BRASILEIROS. Nas telonas, a história de jovens policiais infiltrados ganhou humor e virou uma comédia de ação. No filme, Schmidt (Jonah Hill) e Jenko – lindo – (Channing Tatum) eram inimigos no colegial e bem diferentes, mas acabaram se tornando parceiros durante a Academia de Polícia. Eles não são os melhores policiais da turma (não mesmo), mas podem mudar este quadro quando entram para a unidade secreta, 21 Jump Street, (título original do filme em inglês), coordenada pelo capitão Dickson (Ice Cube). Disfarçados, eles partem para investigar casos de delinqüência em uma área dominada pelos jovens e o traficante Eric (Dave Franco).

É ai que começam as aventuras, bombas, carros, explosões e como em toda boa escola americana: sexo, drogas e rock and roll. O roteiro não foi tão criativo quanto do seriado, peca nos diálogos, nas cenas de ação que ficam exageradas demais, deixando o espectador confuso e sem entender onde realmente acontece o clímax da história.

No desenrolar da história quando os protagonistas precisam voltar à adolescência, os papéis se invertem. Quem era fracassado anteriormente tenta ser o “popular” e quem era popular tenta se entender com os nerds do grupo de química. Aos poucos novas amizades e novos amores vão sendo criados, afastando os dois amigos, o que acaba atrapalhando a investigação. Mesmo assim os dois trapalhões lutam contra traficantes motoqueiros, professora e alunas taradas, jovens loucos e chegam no tão procurado  ”fornecedor”.

O filme Phil Lord e Chris Miller conta também com a participação especial do lendário Johnny Depp que fez sucesso na série nos anos 80/90. Creio que Anjos da Lei  é um filme que tem até potencial para fazer sucesso com o público dos blockbusters, não tenho dúvidas disso. Diverte e faz rir enquanto se come uma pipoca. Isso é mais do que válido.

21 Jump Street
EUA , 2012 – 109 min.
Ação / Comédia

Direção:
Phil Lord, Chris Miller

Roteiro:
Jonah Hill, Michael Bacall

Elenco:
Jonah Hill, Channing Tatum, Brie Larson, Dave Franco, Rob Riggle, DeRay Davis, Ice Cube, Dax Flame, Chris Parnell, Ellie Kemper, Jake M. Johnson, Nick Offerman

Nota